Wilson Prada

No es el arco; ¡es el indio!

Wilson Prada

Biólogo, comunicador social, investigador, fotógrafo y docente venezolano. Director de Prada Escuela de Fotografía, que desde 1983 ha contribuido a la formación de fotógrafos y artistas venezolanos.

Su trabajo ha sido expuesto en:

– II Simposio Nacional de Fotografía Pabellón Venezuela. San Cristóbal 1988
– Diafragma y Una Visión Nacional de la Fotografía Museo de Arte de Maracay 1989
– III Bienal Regional de Fotografía. Galería Municipal de Arte, Maracay 1989
– XV Salón Nacional de Arte Aragua Casa de la Cultura de Maracay 1990
– III Salón de Arte de la Frontera Colombo – Venezolana Museo del Táchira San Cristóbal – Casa de las Cajas Reales de Pamplona,  Colombia. 1991.
– Aproximaciones. Museo de Bellas Artes de Caracas 1992
– La Fotografía Aragüeña: 10 fotógrafos 10 propuestas MACMA Maracay 1994
– III Bienal Nacional de Fotografía (Fotógrafo Invitado) Maracay 1997
– Muestra de fotógrafos Aragüeños Museo de Arte del Perú Lima 2001
– Muestra de fotógrafos Venezolanos Beijín China 2002
– Bienal de Tenerife Museo de Tenerife Santa Cruz, 2010

Exposiciones Individuales

– Registros Galería de Fotografía del Teatro de la Opera de Maracay 1986
– Ese Dios que nos mira en las escamas Centro de fotografía del Conac Caracas Venezuela 1999
– Antología Premio regional de artes visuales MACMA Maracay 2008
– Visiones de mi ojo Izquierdo Atlántica Colectivas de la Bienal de fotografía de Tenerife 2010
– Centro CISLAN de Asturias y  Arte K-3 de Vigo en España 2016

Su obra está representada en:

– Colección de la Casa de las Cajas Reales de Pamplona, Colombia
– Colección del Museo de Bellas Artes Caracas, Venezuela
– Colección del Museo de Arte del Perú, Lima, Perú
– Colección de la embajada de Venezuela en China
– Colección Casa de las Américas. La Habana, Cuba
– Colección Permanente del Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu, Maracay, Venezuela
– Colección Ignacio Oberto, Caracas, Venezuela
– Museo de Arte de Tenerife, Islas Canarias. España
– Museo Sarda, Cataluña, España

 

 
Ciudad y país dónde naciste y ciudad y país donde vives en la actualidad.
 
San Cristóbal Táchira Venezuela
Juan Griego, Nueva Esparta. Venezuela
 

 
Teórico, investigador, docente, fotógrafo, artista, escritor, ¿qué más hace Wilson Prada que no sepamos?
 
Me aferro a la mandolina como acercamiento a la música oriental
 

Cuentas con varias publicaciones donde abordas el hecho fotográfico. Coméntanos de cada uno de tus libros y dinos dónde se pueden conseguir
 
Desde hace unos 25 años he estado muy interesado en la forma en que se lleva a cabo el acto de fotografiar y quizás un poco más en cómo ese acto convertido en obra  es recibida por el espectador, en todo este tiempo han surgido muchísimas conversaciones con profesores, amigos y alumnos que me indicaban que el camino correcto era el de escribir en torno a ello. Así nació “Miradas ajenas: una aproximación a la crítica fotográfica”: un libro en el que recojo mis convicciones en torno a la Fotografía como un hecho cultural que se presenta trasversal a toda actividad  humana. 

Miradas Ajenas

Como era de esperarse, el estudio de las formas de recepción y los cambios surgidos con la llegada y posterior masificación  de la imagen virtual, me llevó a problematizar el lenguaje utilizado en el marco de la crítica fotográfica y su falta de consenso semántico con el lector, pero más aún, me permitió ver cómo esos cambios  habían descolocado a muchos  críticos en lo que respecta al análisis de la imagen fotográfica en su nuevo contexto de acto efímero, desmaterializado, masivo, y “autovalidado” por sus autores. En consecuencia en Miradas  Ajenas abordo desde una perspectiva docente, más que teórica,  temas como la originalidad, la autoría, el acto creativo, el sistema de validación, y la formación crítica para la fotografía ante el sismo que ha movido sus características ontológicas.
 
Por otra parte, “la diversidad de la mirada: reflexiones sobre fotografía y cultura digital”toca 16 temas verdaderamente importantes en la lectura de la imagen ya desde una perspectiva teórica y académica. Este libro lo hice en coautoría con Johanna Pérez Daza  con quien trabajo desde hace más de una década y tratamos  aspectos como la fotografía y la estética del poder, la fotografía incomoda,  aproximaciones teóricas a la lectura del selfie, el memento mori, lo feo la fealdad y el feísmo como propuestas estéticas, el cuerpo y su metamorfosis en la fotografía, entre otros temas de interés.
 
Los libros en su primera y segunda edición se elaboraron de manera artesanal  en los talleres de Prada Escuela de Fotografía como experiencia editorial y se bautizaron en años consecutivos en el festival de Méridafoto 2015 y 2016 para luego presentarse en, Colombia,  Chile y EEUU.

En octubre se terminó la revisión de ambos libros y se comenzará a comercializar la versión virtual a partir de enero de 2019  
 

¿Actualmente que temas te mueven? ¿De qué quiere hablar o escribir Wilson en la actualidad?
 
Siguiendo las visiones disímiles de Greymas y Calabrese,  paso una buena parte del tiempo buscando maneras de explicar  la fotografía como un lenguaje no específico. Me interesa ella como un texto visual que obliga a una construcción intencionada de mensajes y conceptos para comunicarse con la mirada ajena; en consecuencia, dejó de interesarme la fotografía como una obra- espejo ante la cual el autor, en solitario, se autocontempla, se autoestimula y se autosatisface en la constante práctica de una especie de “onanismo intelectual. 
 
En este orden de ideas se abren ante mí tres líneas importantes de trabajo:  

1- Cada vez que vemos una imagen que nos toca de manera sensible creemos que hay algo en ella que parece seguir comunicando aun cuando hemos pasado a la siguiente página del libro o a la siguiente obra en la sala, de tal modo que volvemos a ella dos o más veces a ver qué es lo que nos ata a su presencia. Al final, casi siempre descubrimos que eso que nos devuelve no está en la mancha de la imagen o en el campo visual, sino fuera de él. Sus esencia no está en lo que representa sino en su enlace con  lo que no vemos, aquello que el autor dejó oculto,  pero que, de alguna manera conecta con nuestra memoria.  Autores como Juan Antonio Molina Cuesta y Diego Lizarazo han trabajado magistralmente el tema aportando nuevos puntos de vista que me motivan a teorizar al respecto.

2- Cómo el texto escrito establece relaciones de coprotagonismo con la fotografía. En este caso trabajo con mucha insistencia en las relaciones de la imagen con el texto escrito en todas sus manifestaciones,  pues cada vez se nutren más entre ellos formando una amalgama  indivisible.
 
3- Por ultimo me enfoco en cómo la relación imagen- texto- -espacio de lectura, permite consolidar un corpus de trabajo en un portafolio.

Desde el campo formativo busco constantemente reconocer  las encrucijadas que hacen que una gran cantidad de fotógrafos, que poco a poco comienzan a interrogarse ante su propia obra, choquen contra la decisión final de cerrar sus proyectos en un corpus de obra, sabemos que esa situación  los hace vivir largas temporadas de sequía creativa. Por ello convertí mi hogar en Juan Griego en un claustro para esos  fotógrafos que han pasado cientos de horas mirando miles y miles de imágenes que les gritan desde los discos duros su resistencia a morir almacenadas. Permitirles salir de ese trance, desde la búsqueda de la formación del estilo hasta la construcción de la relación imagen-texto-espacio de lectura, es lo que más disfruto en mi labor docente. Esa interacción es la que  me lleva a investigar en torno a sus temáticas, sus distintas narrativas y sobre todo en sus motivaciones para amar lo que hace.
 

¿Cómo se ha visto afectado tu proceso creativo en un país donde los grandes conflictos sociales, políticos y económicos son la regla y no la excepción? 
 
El conflicto siempre indeseado se presenta como  un acercamiento a los puntos de inflexión de toda regla y normativa; no solo en la política, sino en la religión, la filosofía o la cultura y, por ende, en sus componentes tales  como la estética, el lenguaje o  la historia. El conflicto, aun cuando ralentiza la producción de la obra, al mismo tiempo exacerba la problematización de las intenciones creadoras. En ese marco, La imagen que registra y  denota  comienza a perder terreno ante la saturación de su presencia en las redes  y ante  la  pérdida de asombro de la colectividad; mientras tanto,  la imagen que connota, apoyada en  su carga simbólica y su sentido metafórico, expresa mensajes más efectivos contra los poderes que promueven el conflicto, ganando de este modo, un importante terreno en la memoria de los afectados. Como muestra, pudiera decir que las imágenes que más afectaron al poder en la historia de los grandes conflictos del siglo XX y lo que va del XXI, han sido aquellas que por su manejo simbólico han desbordado su carácter doméstico y han trascendido en su discurso. En mi caso, el eterno conflicto virtual y físico que vivimos en el marco de una dictadura sui generis me lleva, cada vez más, a crear  estrategias docentes desde lo visual para desmontar los discursos que intencionadamente polarizan, dividen, reprimen o deprimen a otros creadores visuales.
 

 

Hay quienes afirman que no se justifica en la actualidad que un artista en Venezuela esté, por así decirlo, fotografiando flores. ¿Qué opinas sobre esto?
 
El artista, como ser sensible, está consciente de la necesidad de interpretar y materializar ideas  que responden a su entorno y a sus convicciones, así que muestra en su obra lo que siente para comunicarse con un público que se sintoniza con él ya sea que haga flores o paisajes bucólicos. Por supuesto, también debe estar consciente de que su obra, aun cuando no deja de tener importancia, tiende a ser atemporal  y, en algunos casos, pone en riesgo su trascendencia.

También sabemos de otros creadores  convencidos  de que su obra debe trascender como respuesta a su momento histórico, estos son capaces de subvertir lo establecido a través de su obra como si ella fuera una partícula desde la que emanan  respuestas estéticas ante  un poder que se envilece contra la libertad de pensamiento y de acción.

Este artista que opina ante su realidad, no solo parte de su conciencia histórica, sino de la comprensión de su lenguaje, su comprensión del espacio en el que ese lenguaje es leído, pero además, y es quizás lo más  importante, este creador tiene una gran fuerza para subvertir los significantes que el poder construye. 

Yo estoy poco interesado en los primeros  y definitivamente me anoto en el segundo grupo
 

Fundaste una escuela emblemática de fotografía en Maracay (Venezuela), y actualmente vives en la isla de Margarita (Venezuela) ¿Sigues con la docencia allí en Margarita? 
 
Estoy en la docencia fotográfica desde 1981. Pero me enserie en el asunto en 1983 cuando inicié en mi casa de Maracay  algunos  talleres de fotografía (siempre acompañado de mi esposa Gladys Téllez). En paralelo trabajé en proyectos educativos y creativos muy importantes como el Movimiento Diafragma 1986-1998 y fotosíntesis 1997-2000. Ambos fueron centros de actualización y discusión sobre  la fotografía más allá de lo meramente técnico. En ese momento Prada Escuela de Fotografía se nutría  con quienes pretendían  problematizar la imagen, así que un buen día la familia decidió ampliar el espectro educativo y enfocar recursos en difundir la escuela a través del país por lo que fuimos invitados por más de veinte  escuelas a lo largo y ancho del territorio.   
 
Prada Escuela siempre ha sido una escuela para pequeños grupos, y con bajo perfil publicitario pero con un claro objetivo de estudio de la imagen, por ello se  implementó un programa que incluía cátedras como historia de la fotografía venezolana, (1994) restauración y conservación de archivos fotográficos, análisis y elaboración de portafolio fotográfico (1995) Lenguaje fotográfico (1999) Análisis y crítica (2003) Estética de la fotografía  (2003) Museografía aplicada a la obra fotográfica (2014) . En una tercera etapa gracias a la motivación del festival Meridafoto y al apoyo de los hijos en el exterior Prada Escuela de Fotografía se conecta como invitada de otros centros de formación  con Santiago de Chile, Bogotá y Miami  de tal modo que en este 2018, a 35 años de iniciar esta escuela, mantenemos una sede en Maracay coordinada por Gabriela Prada y los docentes Carlos Martínez y Jaime Pérez,  un claustro en Juan Griego,  además de nuestros talleres online junto a Johanna Pérez Daza y  José Voglar
 

Lenguaje fotográfico Prada Escuela de Fotografia 2009
Lenguaje fotográfico. Prada Escuela de Fotografia 2009

Aunque has dedicado desde hace mucho tiempo gran parte de tu energía a la docencia y a la investigación, un fotógrafo raramente se desprende de la cámara. Muéstranos las fotografías o series que hayas realizado con las cuales te sientas muy satisfecho. 
 
Desde hace unos 8 años hago muy pocas fotografías, el trabajo de mirar tantos portafolios y exorcizar tantos anclajes en la obra de otros, me lleva a repensar continuamente mis imágenes y me paraliza muchas veces el dedo de obturar, más no asi el deseo de mirar, analizar, escribir y educar como otra manera de crear desde lo fotográfico.
 
A lo largo de mi carrera he elaborado 10 portafolios  estos serían algunos de ellos.

La ciudad de seis ruedas  1987-1989

Visiones de mi ojo izquierdo  1990 –

Ese mar que nos mira en las escamas 1999 -2009

Variaciones de una huida en sombras  1995-2000

“The return of the living dead” 1998-2008

De la serie La ciudad de seis ruedas 1989
De la serie La ciudad de seis ruedas 1989
De la serie Visiones de mi ojo izquierdo 1990-
Ese mar que nos mira en las escamas 1999 -2009
De la serie Ese mar que nos mira en las escamas 1999 -2009

 

De la serie Variaciones de una huida en sombras  1995-2000
De la serie Variaciones de una huida en sombras  1995-2000

 

De la serie The return of the living dead” 1998-2008
De la serie The return of the living dead” 1998-2008

 

Defínenos “estética fotográfica”
 
La estética es (afortunadamente) un término rodeado de indefiniciones lo que la convierte en alimento de todas las corrientes filosóficas.  Es una reflexión en torno al encuentro con la obra y a la relación de esta última con distintas convenciones y validaciones  históricas de belleza y fealdad. En este marco, la estética fotográfica  responde a una determinada manera de mirar en la que coinciden  diversos  autores, de allí que podemos hablar de la estética del pictorialismo fotográfico, la nueva subjetividad o la estética de lo feo,  pero desde mi punto de vista  solo existe tal estética desde la comprensión de la mirada ajena que es capaz de establecer  una unión, un relación delicada  entre un encuentro sensible ante la obra (generadora del asombro y la conmoción sensorial) con segundo momento, uno en el que el asombro ha cedido el paso de un encuentro teorético (que nos enfrenta al análisis del porqué de nuestro asombro inicial). La unión de estos dos momentos genera  un goce estético que le da sentido a la obra observada, lamentablemente para nosotros, en una gran cantidad de eventos, esta experiencia de unión requiere de condiciones muy delicadas que permitan que a la obra pueda ser percibida desde su formato, desde su soporte, su escala tonal, su composición, su relación textual su relación con el espacio, y por lo general, el fotógrafo centra su preocupación solo en exhibir y no en lograr que esas condiciones dialoguen alrededor de la obra. Para hablar de estética fotográfica hay que hacerlo desde el logro de esa unión, esa maravillosa experiencia de la fruición.  De no ser así  la estética fotográfica no puede ser gozada por el otro y la obra fotográfica pierde su sentido estético. 
 

 

¿Qué opinión te merece la “apropiación” como recurso dentro del mundo del arte?

En el marco de la estética fotográfica,  la apropiación es parte del dinamismo de la relación de toda obra con su entorno, es una productiva problematización a la autoría. Una hermosa y necesaria respuesta a muchas definiciones castrantes en torno a la originalidad.

Para el artista todo lo que le rodea es objeto de su deseo, ya sea como colección o como insumo para su interpretación; ya sea para su disfrute o para su resignificacion. Por supuesto, respondo en el marco que colocas como mundo del arte; fuera de él, todo cambia. 
   

 

¿Cuáles son tus principales referentes en la fotografía?

Desde la imagen: Man Ray, Robert Doisneau, Ramón Grandal, Lee Freelander, Nelson Garrido.
Desde la docencia: Mario Moino, Pedro Meyer, Oscar Colorado.
Desde lo teórico: José Luis Brea, José Antonio Navarrete, Francois Soulages, Román Gubern. 

 

Acabas de conocer a un artista que admiras y te da el beneficio de que le hagas una sola pregunta, entonces, ¿qué le preguntarías? 

¿Cómo definiría su relación con la temporalidad en su proceso creativo?
 

Cinco películas que recomiendes que todo artista visual o fotógrafo debe ver porque sí. 
Sin ningún orden de preferencia.
 
1.  Ciudad de dios (Kátia Lund, 2002)
2.  La maleta mexicana  (Trisha Ziff, 2011)
3.  Smoke  (Wayne Wang, 1995)
4.  Camino a la perdición (Sam Mendes, 2002)
5.  Bang Bang club (Steven Silver, 2010)
 

¿Qué música te inspira cuando estás creando o trabajando? 
 
Aquí si me agarraste tratando de apuntar al perol, Si en algo en lo que  me declaro totalmente ecléctico es en la música. Desde muy joven me rodee de arpistas  y bandolinistas  populares,  guitarristas  académicos,  grupos de rock y gente del mudo coral.,  Luego, en mis años de docencia ya tratando de comprender  la respuesta cultural de mis alumnos, me ligue a nuevos  ritmos urbanos, así que disfruto la música en todas sus manifestaciones incluyendo algunas vetadas en nuestros círculos como el Vallenato, el Rap fusión de Calle 13 o el Rapcore de Molotov, pero mi lista definitiva para trabajar sería:
 
Introduction & Rondo Capriccioso op.28  de Saint Saens interpretado por Itzhak Perlman
Nessum Dorma, concierto de Caracala  dirigido por Zubin Mehta
Concierto de Queens Montreal 1981
Heart Shaped Box, Kurt Cobain,  Nirvana 1993
Beautiful people , Marilyn Manson, Festival Bizarro Alemania 1997

 

¿Cuál es tu signo?

Leo (signo que convierto en verbo cada día)
 

¿Tu libro favorito? 

Un regalo de 15 años  que me hizo mi padre “Elogio a la locura” Erasmo de Rotterdam
 

¿Cerveza, ron, whisky o vino?

Invariable y definitivamente Ron
 

Para finalizar, dinos ¿Cuál es tu grito para la humanidad?

No es el arco; ¡es el indio!
 

 

Instagram: @WilsonPrada

Twitter: @pradawilson

Facebook: Wilson Prada

Blog: lafotografiainacabada.blogspot.com

 

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Francisco Pancho Acuna

3 Comments

  • Ramdy Sierra

    Inquietante disfrute de todo ese discurso de Wilson a quien me une un apego quizás a lo escarbador de todo lo que percibe ya con ese ojo-cerebro-corazón,(Bresson), ya con esa perspicacia de Leo en su reino. Lamento no haber podido traerlo a Maturín, pero aun es posible y necesario, por que ahora ando en lo de la escuela de fotografía para esta ciudad que me ha soportado o me ha enseñado a soportarme. Pero volviendo a Wilson que es nuestra referencia de investigador de la imagen fotográfica sí,. pero imagen…imago…y que nos ha planteado acuciante atmósfera de análisis para recrearnos en una fotografía post fotográfica, que nos latiguea el ingenio, que nos incomoda el “confort” vanidoso de autoelogio autoral. Realmente me uno a ese espectro tecnico-teórico que Wilson nos bate en nuestros propios lentes-ojos, y empuja hacia lados inversímiles desde donde ver el Ver nuestro de cada día pero en una mirada posiblemente holística, como aquella *fotografía de Dios*(Tomás Eloy Martínes-El Nacional 1999). Ahora Wilson nos ve desde JuanGriego, vaya, ese mar es otro super lente que agita cualquier visión, pero yo lo celebro. Gracias hermano, Gracias Wilson, gracias por esa entrevista. Ramdy Sierra

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  • Ramdy Sierra

    Gracias Francisco Acuña poe esa entrevista a Wilson Prada.

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  • Eliodoro Gonzalez P

    Aprobado…Todo ordenadito como buen profesor que eres…Contigo en la Distancia. Un abrazo Camarada (en el real y estricto sentido de esta palabra: tu sabrás), te celebro desde este cerro donde habito, Wilson.
    Eliodoro Gonzalez P ..Alias :Toro el Comanche

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